中国古诗词曲研究现状(求古典诗词与流行歌曲研究800字)

1.求古典诗词与流行歌曲研究（800字）

古诗词是现代流行歌词的远祖，有其“剪不断理还乱”的藕断丝连和“抽刀断水水更流”的一脉相承，这是事实，不可否定。

这也是中国民族文化底蕴与文化传承的结果。前苏联词作家萨柯夫斯基明确指出：“好的歌，它的词都具有不依赖音乐的独立艺术价值。”

因此，研究古诗词的承传与转化，对当代歌坛的开拓价值，具有畅通古今的现实意义。古人云：“诗言志，歌咏言，声依永，律和声”又云：“诗，言其志也；歌，咏其声也”再云：“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。

情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故咏歌之。”诗经中的风、雅、颂都是乐歌。

楚辞“书楚语，作楚声”，与诗经成为诗歌史上的两座丰碑。乐府诗集中的乐府，多为歌词，“诗为乐心，声为乐体”，表达了诗与歌之间的密切的血缘关系。

在中国，诗与乐很早就发挥着抒情言志和教育人的作用，诗依靠乐得到广泛的传播，诗就是歌，即声诗。古诗词吟与诗是紧密相联的。

吟诗也是诗人赏析、抒情、创作诗词的重要方式。辞海解释“吟”为：“吟咏、做诗”。

孔颖达疏又对“吟”作了明确解释：“动声曰吟，长言曰咏，做诗必歌，故言吟咏情性也。”实际上吟诗的过程也就是品诗的过程，吟出其情其感。

吟诗有三品：一吟一品：品物境；再吟再品：品情境；三吟三品：品意境。从原始歌谣、诗经、汉乐府、直到词曲，声诗的发展源远流长，当一种诗体产生民间时，与音乐有着密切的关系。

诗经也好，唐诗宋词也罢，其实就是那个时代的流行歌曲，宋词就是配合乐曲而唱的歌词，“感于哀乐，缘事而发”。流行歌曲称通俗歌曲。

“通俗”是就其演唱方式而言的。流行的歌词创作也是一种文学创作，属于诗词创作的范畴。

流行歌曲展现了千姿百态的生活，表达了各种各样的情绪和心态，为一种通俗文化。“以歌传情”是流行歌曲的核心，每首歌词都确定一种感情基调，字里行间中寻觅以词抒情、以情带声的重要追求。

中国古典诗词大都非常讲究，在遣词造句、叙事抒情上自有一套严格的理论，是字字珠玑，千古传颂。古典诗词非常强调韵律，大多音乐感极强，结合中国人的情感表达方式，含蓄委婉，百折千回，动人不已。

这是当今诸多流行歌曲创作人所追求的一种境界，许多音乐创作人采用挑选经典的古诗词，谱上曲，诠释千古佳句。如苏轼的水调歌头·明月几时有：“明月几时有？把酒问青天。

不知天上宫阙，今夕是何年。……人有悲欢离合，月有阴晴圆缺，此事古难全。

但愿人长久，千里共婵娟”。著名歌手邓丽君、王菲等人都曾演唱过，流传甚广。

李清照的一剪梅·红藕香残玉簟秋：“红藕香残玉簟秋。轻解罗裳，独上兰舟。

……此情无计可消除，才下眉头，却上心头。”此词被重新谱曲后歌名为月满西楼，配以古典情怀：一位古装女子，手持罗扇，独倚窗前，望穿秋水，只为等待归人。

整个歌曲朴素清新，笼罩着深层的相思之痛，与李清照的词风尤为吻合，实乃天作之合。李煜的相见欢（无言独上西楼），乌夜啼（林花谢了春红）和虞美人（春花秋月何时了），柳永的雨霖玲（寒蝉凄切），辛弃疾的丑奴儿（少年不识愁滋味）等，由古月、刘家昌、翁清溪等著名曲作家谱曲与诗词可谓珠联璧合，相得益彰。

加之有婉约清新唱腔的邓丽君演唱，使得这些曲目成为现代音乐史上传颂的极品。曾被音像世界杂志评为在夜晚用心聆听的专辑，可谓评价之高。

这张专辑里最有名的两首，一个是李煜的虞美人，一个就是后来王菲翻唱的但愿人长久，是对这首古典佳作现代版诠释了。83、84年播出的电视连续剧武松中，张都监家的丫鬟，就曾弹唱了这一曲，但这属于声乐作品的范畴。

从另一个角度上，说明了经典诗词与音乐的融合性。再来换一个角度，流行歌曲多表现一种通俗文化，而古典诗词的介入，恰好将其雅的一面也推到了众人面前，正说明了，艺术其实并无雅与俗不可逾越之鸿沟，关键在于融合的手段了。

徐小凤演唱的别亦难，由何占豪作曲，用的是李商隐无题前四句：“相见时难别亦难，东风无力百花残。春蚕到死丝方尽，蜡炬成灰泪始干。”

同样是脍炙人口的好歌。杨慎的临江仙：“滚滚长江东逝水，浪花淘尽英雄。

……古今多少事，都付笑谈中。”词人借千古英雄的是非成败，抒发自己的怀古之情。

在浑厚的音调之下，表现对世事沧桑的超然和感悟，雄浑而深沉。三国演义电视剧将词谱曲，杨洪基演唱，为电视剧增色不少。

梅艳芳的床前明月光：“是你吧/高高挂在穹苍千年啦/看尽了人世离与散……床前明月光/疑是地上霜/举头望明月/低头思故乡。”在这首歌曲中引用了古诗直接谱曲，在诗的前半部分，也可以看作是对李白的静夜思做的全新注释。

著名音乐人宋柯曾说：“我们可以看到，无论古诗新唱还是意译古诗，都是适用了经过上千年有中国特色检验的文学精品，它们具有广泛的认知度和群众基础。借用古典诗词来表现流行歌曲的主题和内容，既给予了流行歌曲一表现空间，广泛的也提升了流行歌曲的层次，找到了一条将歌手推进众。

2.浅谈中国音乐与古诗词的关系

我国历代文化里，诗歌与音乐的关系密不可分。

音乐不仅对我国诗歌的内容、题材、形式和风格的形成有着深远的影响，对中国历代诗歌的生成、传播以及发展也起到了重要的推动作用。诗歌与音乐在向现代文明发展的过程中，两者时分时合。

诗歌是一种人们非常喜欢的艺术形式，要想弄清诗歌与音乐的关系，首先要弄清诗的根。“诗歌”，顾名思义，“诗”和“歌”是密不可分的，好诗的诞生激发了音乐的多样化，它们就是这样相辅相成地陪伴着。

一、我国历代诗歌与音乐的历史关联性 诗是最早绽露的文学萌芽。诗和音乐像一对孪生的姐妹，从诞生之日起就紧密地结合在一起，以它特有的声情韵律感染着万千读者，影响着人们的精神世界。

（一）诗歌与音乐的渊源 我国古代第一部诗歌总集诗经中的每一首诗，都是可以合乐歌唱的，“风”“雅”“颂”便是根据音乐特点所做的分类。从诗经到楚辞，以至律、绝、词、散曲，都清晰地展现了我国古代诗歌创作中对音乐美的追求与进步的足迹。

历代文论对此问题也不乏探索与灼见。白居易在与元九书中说：“诗者，根情，苗言，华声，实义”；袁枚随园诗话说“其言动心，其色夺目，其味适口，其音悦耳，便是佳诗”；明代诗论家谢榛的四溟诗话主张“诵要好，听要好……诵之行云流水，听之金声玉振”；清人刘大在论文偶记中说“积字成章，积章成篇，合而读之，音节见矣；歌而咏之，神气出矣。”

从几千年的中国文化来看，诗歌和音乐相结合更是水**融的艺术表现手段。诗歌与音乐有很多共同之处，它们都是以抒情见长，都十分讲究节奏、韵律、音调。

我国历代诗歌都具有格律化、音乐性、“韵律美”。在古代文化里，“音乐入诗”是个热门的话题。

音乐艺术，可谓是古代传承下来的“永恒主题”。诗歌传唱的盛行不仅为古代文化的传播发展、继承做出了贡献。

使我国历代、现代的诗歌和音乐紧密地结合在一起。从诗歌与音乐文化渊源的角度来研究，是一个极其重要的视角，这会使我们对诗歌与音乐之间的认识变得更加全面和清晰。

（二）以汉代为分界的诗、乐相互关系 在我国汉代诗歌与音乐的研究领域中，中国古代文化精神史上它们也极有相当重要的地位作用。在汉代，人们继承并发扬了我国诗歌与音乐结合的传统，新创立的律、绝二体新诗，尤其渗透了音乐元素，比古体诗歌更适宜入乐。

由此，诗歌与音乐的交互关系密不可分，让我们重温了诗歌与音乐的融合性，在我国诗歌与音乐的演变史上，汉代是一个重要的文化演变阶段。自汉代开始，乐发达，诗鼎盛，是乐与诗的完美结合，促进了音乐与诗歌的共同发展；同时诗对乐的精妙描写， 使热衷于音乐、诗歌的人都受益匪浅；保证了音乐与诗歌朝着更加健康和理性的方向发展。

（三）现代诗歌与音乐的传承与发展 现代诗歌与传承音乐是音乐和实际意义的语言结合，这就是诗歌的本质意义所在。而任何一个时代的诗歌形式必须是与该时代的音乐相适应的，顺着这条线索，我们就会发现，现代歌曲正是现代诗歌与现代音乐的结合，反映着现代人的喜怒哀乐，强烈的抒情性是它突出的特点；它也继承了赋、比、兴的手法，也采用重章叠唱的传承方式。

因此，每个时代亦有与该时代音乐相适应的诗歌形式，音乐的变化发展必然引起诗歌形式的变化发展。认识到现代音乐是当代的诗歌形式，那我们就不应再去盲目探索新诗的形式。

现代的人们应更加投入到现代音乐歌曲的创作中去，尤其是要投入通俗歌曲的创作中去，使这种诗歌形式得以提高，从而得到不断的新发展。二、诗歌与音乐在文体上的相辅相成性 诗歌与音乐来自语言文字的内在支出，只有载着情感的语言，才能将潜藏在语言内部的音乐借节奏、音调、韵律美等语言形式表现出来，并引起读者们的心灵感应和共鸣，从而给人以美的享受。

以下就从诗歌和音乐的节奏、音调、韵律美来展开说明：（一）诗歌中的乐感呈现（节奏、音调、韵律美） 在我国古代生活中，任何事物的节奏都是调节感觉反应一致的，节奏在诗歌的音乐里表现得淋漓尽致。诗歌与音乐的节奏，是由不同语音排列次序，形成抑扬顿挫的韵律，主要有一定的轻重高低的音律和一定时间间歇所形成，每一个顿数之间的时值相等，这样读、唱起来就形成了有力的节奏感，因此诗歌与音乐节奏才真正和谐、表里如一，更为融合。

历代诗歌与音乐的音调调配上也很讲究，所以读的时候抑扬顿挫，唱的时候也更富有旋律感。音调是表达感情的，诗歌与音乐是感情宣泄的窗口，诗歌与音乐的音均是四种音调，每一个音调一旦改变其高低升降，就改变了其意义，这是音调的特色之一。

音调的高低、升降、构成了语言的音调，而高低、升降是音调的主要表现所在。我国历代诗歌与音乐以其独有的艺术魅力，“韵律美”充分体现出诗歌与音乐的精髓之处。

诗歌具有一定的音乐性和“韵律美”。完美的“韵律”，一方面可以加强诗歌与音乐的节奏感，达到和谐整齐的感官审美效果；另一方面则可以促进情感的抒发。

可见，诗歌与音乐的韵律与感情的抒发有很大的关系。我国历代的诗歌与乐上十分注重“韵律美”，但“。

3.中国古代诗词曲发展的几个阶段是什么

中国古典诗歌的发展过程： 诗歌是先秦文学的巨大成就之一。

其发展经历了一个从口头到书面、从民间到宫廷、从集体歌唱到文人创作的漫长过程。在中国文学史上，春秋时编成的诗经是现在能看到的我国最早的一部诗歌总集，一共三百零五篇，古称诗或诗三百篇。

在语言的句法上，基本上是四个字一句。从音乐角度上分有“风，雅，颂”三个部分。

在表现手法上有“赋，比，兴”三种。诗经的出现，标志着我国最早发生、发展的文学形式诗歌从口头到书面、从民间到宫廷发展阶段的完成。

从这个意义上说，诗经是我国文学的光辉起点。 继诗经之后，公元前四世纪，以屈原为代表的楚辞骚体诗，标志着中国诗歌从民间集体歌唱到诗人独立创作的更高发展阶段的出现。

这种由文人创作、带有鲜明楚地文化色彩的新诗歌，将中国诗歌向前推进了一大步。骚体诗冲破诗经四言诗的固定格式，发展为五言句和七言句，不但能更好地表达思想感情，而且韵律和节奏也更富于音乐性。

先秦时代，诗经与楚辞双峰并峙，是中国诗史上现实主义与浪漫主义的两座巍然屹立的座标，其巨大影响是不可估量的。 秦代时间短促，加上焚书坑儒，思想统治极为严酷，因此主要只有民间尚有歌谣流传。

到了汉代，西汉文人诗坛，颇为寂寞。基本上为模拟四言和骚体的创作。

值得一提的有汉初高祖刘邦的骚体歌诗大风歌、韦孟的四言讽谏诗等。 但是到了东汉，情况就有转变，张衡的四愁诗虽没有脱尽骚体影响，但已具有新的气象。

在班固、张衡的倡导下，东汉文人注意学习乐府民歌。为配合音乐而歌唱的乐府诗，其直接继承了诗经中民歌的现实主义传统，较全面而深刻地反映了当时社会生活和人民的思想感情。

代表了汉代诗歌的最高成就。东汉早期作家班固写的咏史诗，采用的是五言形式。

后来张衡作同声歌、秦嘉作留郡赠妇诗，使五言诗的技巧上更有进步。古诗十九首奠定了五言诗的基础。

建安时代，由于三曹七子的提倡，终于形成了"五言腾踊"的局面。七言诗的创作也在尝试中。

在魏晋南北朝以前，诗的格律和声韵还没有形成大家共同遵守的规律，只是由作者按照个人的内容需要和声韵感觉来进行写作。到了魏晋，由于受到了天竺梵音学的影响，我国的声韵学得到了发展。

使诗歌创作由自然的声律发展到讲究追求声律，出现了作诗要注意平仄和韵律的性质，形成了格律诗的主要内容。 唐代，诗歌进入了辉煌灿烂的全盛时期。

不但名家辈出，佳作如林，数量超过了西周至南北朝历代之总和，而且在反映现实的深度和广度、题材领域的拓展、创作方法的多样化、体制的完备成熟等方面，也都达到了前所未有的境界，百花竞放，蔚为大观。在继承前代诗歌的基础上，唐代的诗歌形成了固定的分类。

其分类有两种，一是古体诗，也叫古风；是指模仿唐代以前的传统诗体，没有一定格律，篇幅可长可短，用韵平仄都比较自由，句子的字数有整齐的，也有不整齐的；其中主要分五言古体和七言古体两种。二是近体诗（格律诗），不象古体诗那样自由，在篇幅、用韵、平仄、对仗等方面都有严格的要求，更讲究追求声律。

它基本上可分为两种：五、七言律诗（八句）和五、七言律绝（四句）。 超过八句的律诗称作排律。

盛唐时期，诗歌的发展达到了繁荣的顶峰。不论是五古、七古、乐府、歌行，还是近体诗，都呈现出特异的光彩。

社会各方面的现实生活，都在诗人的笔下以各种体制和风格得到了充分的反映。在诗歌高度发展的环境里，随着城市经济的繁盛和燕乐的流行，唐代还兴起了一种合乐歌唱的新诗体----词。

现传最早的唐代民间词是在敦煌发现的曲子词，题材广泛，作者众多，但艺术上还比较粗糙。 宋词从唐诗发展而来，在唐五代小令的基础上，宋代演为许多中调和慢词，在曲折动宕、开阖变化之中，使情景紧密交融，其细致、具体、微妙处，有的甚至胜于唐诗。

其次，宋词又长于比兴，多以微妙而细致的比兴手法，藉景物表达内心复杂隐幽的感情，感人至深。宋词形成了众多的艺术风格，虽沿袭五代的传统，以抒发感情、性灵为主，形成“诗庄词媚”的分野，以婉约为宗，但后来由于时代生活的变化，题材的扩大，艺术个性得到重视，艺术手法渐趋多样，故使宋词风格在婉约与豪放之外，兼有真率明朗、高旷清雄、典雅精工、骚雅清劲、密丽险涩等多种风格。

赢得了与唐诗并称“一代之文学”的地位。总之，宋词虽被称为“诗余”，但创调数百，列体盈千，不仅反映了较广阔的生活，更是抒情文学的精品，其成就与影响是重大而深远的。

可以说，词兴于唐，繁衍于五代，大盛于两宋。 宋朝时期，当时契丹族和党项族在与宋人的长期交往中逐渐接受了汉族的封建文化，但尚未产生成就较高的诗、词作家，作品数量也不多。

由女真族建立的金，则继承了北宋的诗歌成就而自具面目 。到了元明两代，又出现了一种新的体裁，叫曲，也称散曲。

曲可以说是词的另一体。除了咏唱时的伴奏乐器不同以外，在语言上更加接近口语。

最突出的特点是可以加衬字。如张养浩的闲居三首之一“昨朝杨柳依依。

4.求建国以来中国歌曲的发展变化

中国古诗词艺术歌曲在几代作曲家们的努力与探索中，已经形成了独特的创作理念与艺术特色。

在充分肯定其艺术价值与发展进程的同时，我们也应看到，古诗词艺术歌曲发展过程中所存在的意识层面的重视不够、演唱曲目体系化欠缺、缺乏独特的演唱风格等问题，如何解决这些问题，值得我们去深思。中国古诗词艺术歌曲所具有的艺术价值与发展空间还很广阔，在今后的发展中，我们应该继承与发扬前人已取得的宝贵经验，在创作与演唱风格上不断探索改进，为中国艺术歌曲的发展做出积极的贡献。

1929年，青主出版的一首大江东去，揭开了中国古诗词艺术歌曲创作的崭新篇章，由此产生了我国第一批严格意义上的古诗词艺术歌曲。本文以建国以来中国古诗词艺术歌曲的发展历程与应用情况为研究对象，分别对20世纪50-60年代、80-90年代、21世纪以来三个时期进行了回顾、分析与反思。

20世纪50-60年代，正值国家刚刚独立的特殊历史时期，创作题材多以革命群众歌曲为主，艺术歌曲的创作数量并不多。1958年，**诗词正式发表后，慢慢掀起一股依此为题材创作的古体诗词艺术歌曲的热潮，如李劫夫的蝶恋花・答李淑一、生茂、唐诃的沁园春・雪等。

而50-60年代唯一敢于大胆尝试根据古代诗词创作艺术歌曲并具有影响的作曲家是罗忠，其代表作品有1962年根据唐代杜牧的绝句三首谱曲的山行南陵道中寄扬州绰判官等，在这些创作中，他大胆采用了欧洲现代技法的和声语言，开始了其古诗词艺术歌曲的初步尝试，这些作品虽受到环境的影响，没有引起音乐界的足够重视，却是一次继往开来的重要探索。罗忠在古诗词艺术歌曲方面的现代派创作探索，正是继承了其师谭晓麟的创作手法，并在与民族化结合方面作了大胆的创新，这种利用五声性十二音序列进行创作的技法，后来被许多作曲家屡试不爽。

这一写作技法的更新与尝试，对于古诗词艺术歌曲的现代派技法创作起到了承前启后的作用。另外，这一时期的古诗词艺术歌曲逐渐改变了以往作品中多以单乐段结构为主，为了体现原诗风格导致音域偏窄，旋律、节奏多为一字一音等问题，逐步注重歌曲中旋律音域的拓展，力度变化和发声法的要求更具体。

这一时期以来，虽受社会环境的影响，中国古诗词艺术歌曲的创作数量较少，并没有被作为一类歌曲形式重视起来，但对于古诗词艺术歌曲的推广，最重要体现在其对于上半叶艺术歌曲的整理与保存方面；50年代以后，人们逐渐认识到对20世纪上半叶的艺术歌曲进行保存与整理的重要性，许多作曲家们的艺术歌曲集被相继整理出版。例如黄自独唱歌曲选贺绿汀歌曲集青主独唱作品集。

**结束后，艺术歌曲的创作开始引起专业作曲家们的重视，特别是上世纪80年代以来，是我国新时期艺术歌曲发展的重要时期。1980年罗忠发表的一首涉江采芙蓉，歌曲中极具特色的创作手法，充分发挥作曲者的想象力与创作力，达到了使旋律器乐化的效果，引起人们对于古诗词艺术歌曲创作的极大关注。

1982年，作曲家黎英海先生为唐诗春晓（唐・孟浩然）、枫桥夜泊（唐・张继）、登鹳雀楼（唐・王之焕）谱曲的三首古诗词艺术歌曲，刊登于中国音乐，其中尤为出色的枫桥夜泊，成为新时期以来古诗词艺术歌曲的经典之作，80年代以来，除以上作品外，优秀作品还包括罗忠创作的鹧鸪天（宋・晏几道）、峨眉山月歌（唐・李白）等，以及彭涛的忆秦娥（唐・李白），戴于吾的清明（唐・杜牧），及金湘的声乐套曲子夜四十歌（魏・乐府诗）、叶小纲的送友人（唐・李白）等。这一时期古诗词艺术歌曲民族风格的探索在和声、旋律、结构、伴奏等方面均有了较为突出的体现。

除了以罗忠为代表的现代派创作以外，以黎英海为代表的民族风格的探索与尝试，彰显此类歌曲的“中国化”特色，侧重于作品的旋律性，突出浓郁的民族风格。如枫桥夜泊中，在和弦结构方式上刻意回避了三度叠置，用非三度、附加音、五声纵合等手法取而代之，更有利于诠释古诗词艺术歌曲的风格特色。

而春晓中，运用线条性的音乐思维，突出民族化的旋律风格，更好地运用旋律的发展与和声色彩表现出古曲的特色。这类创作风格的歌曲除了以上作品外，还包括黎英海的登鹳雀楼，彭涛的忆秦娥，戴于吾的清明静夜思等等。

另外，这一时期的古诗词艺术歌曲，增加了演唱技巧与难度，明显提高了古诗词艺术歌曲的艺术性，给演唱者更大的发挥空间。80年代以来，随着声乐教育理念的提高，人们开始将部分经典古诗词艺术歌曲用于教学当中，古诗词艺术歌曲开始出现在专业的声乐教材中。

如当时出版的高师声乐教材高等师范院校声乐教材及音乐院校的内部教材中，收录了青主的大江东去我住长江头、黄自的点降唇、刘雪庵的红豆词、应尚能的渔夫我侬词等作品。此后，大批的新作品开始在声乐教材中展现出来。

进入21世纪以来，针对中国艺术歌曲的推广与普及，文化部专门成立了“全国艺术歌曲推广委员会”，以促进中国风格艺术歌曲的。

5.中国古典诗词的发展

在中国文学史上，我们能看到的最早的诗是距今三千年左右的诗经，这是我国最早的一部诗歌总集，一共三百零五篇，古称诗或诗三百篇。其内容有“风，雅，颂”三个部分，这是从音乐角度上分的。在表现手法上有“赋，比，兴”三种。因此前人把“风，雅，颂”和“赋，比，兴”称作诗的六义。在语言的句法上，基本上是四个字一句。

继诗经之后，公元前四世纪，在楚国出现了一种新的诗体，叫“楚辞”，它的创始人是屈原。后来，汉朝人把屈原，宋玉等人写的作品编成一书，叫楚辞。楚辞突破了诗经的四字句，发展为五言句，七言句，即把偶字句（四个字一句）变为奇字句（五个字以及七个字一句），不但能更好地表达思想感情，而且韵律和节奏也更富于音乐性。

到了汉代，出现了为配合音乐而歌唱的诗即“乐府诗”。在语言上有四言，五言，杂言，但多数是五言的。这以后曹操父子以及陶渊明为首的文人们发展了五言诗。同时，七言诗也有了很大的发展。

在魏晋南北朝以前，诗的格律和声韵还没有形成大家共同遵守的规律，只是由作者按照个人的内容需要和声韵感觉来进行写作。到了魏晋，由于受到了印度（古称天竺）的梵音学的影响，我国的声韵学得到了发展。齐梁的周喁和沈约总结了汉字的发音规律，提出了“四声”“八病”之说，使诗歌创作由自然的声律发展到讲究追求声律，出现了作诗要注意平仄和韵律的性质，形成了格律诗的主要内容。

唐代，是我国诗歌发展的全盛时期，是古典诗歌的黄金时代。在继承前代诗歌的基础上，唐代的诗歌有了进一步的发展，并且形成了固定的分类。其分类有两种，一是古体诗，也叫古风；所谓古体诗，是指模仿唐代以前的传统诗体，没有一定格律，篇幅可长可短，用韵平仄都比较自由，句子的字数有整齐的，也有不整齐的；其中主要分五言古体和七言古体两种。二是近体诗，也叫今体诗（这个“今”指的是唐朝），就是我们所说的格律诗；近体诗不象古体诗那样自由，在篇幅，用韵，平仄，对仗等方面都有严格的要求。它基本上可分为两种：律诗和绝句。律诗和绝句都分五言和七言，超过八句的律诗称作排律。

在唐代中期，由诗派生出新的体裁，这种体裁到了宋代最为发达，这就是词。由于词是由诗派生出来的，所以词又被称为“诗余”；另外，由于词的句子字数长短不一，古人也称为“长短句”。

到了元明两代，又出现了一种新的体裁，叫曲，也称散曲。曲可以说是词的另一体。那么它跟词有什么不同呢？除了咏唱时的伴奏乐器不同以外，在语言上更加接近口语。最突出的特点是可以加衬字。如张养浩的闲居三首之一“昨朝杨柳依依，今朝雨雪霏霏，社燕秋鸿（忒）疾苦。（不是）浊醪有味，（怎）消磨（这）日月东西。”其中括号内的字就叫衬字。

6.对中国古诗词有研究的进

我国的古典诗词，素有讲究音韵美的优良传统。

优秀的诗词作品，读起来抑扬顿挫，听起来韵味无穷，这是因为它具备了音韵之美。构成音韵美的方法丰富多彩，押韵、平仄、句式、对偶、语调、回旋、重叠等，都可以增力语言的音韵美。

本文将从韵律、声律、对仗、句式四个方面加以说明。 一、韵律 用韵是文学语言的重要表现手段，韵是诗词的基本要素之一。

诗词中所谓的韵，大致等于现代汉语中的韵母〔1〕。所谓押韵，就是把同韵部的两个或更多的字放到同一位置上，这种同韵部字在同一位置上的重复，构成了声音的回环之美，使作品声韵谐和，也方便记忆。

1.诗的押韵。押韵是构成一首诗的主要因素，不论是古体诗，还是近体诗，都要求押韵，没有韵就不能成诗。

古体诗的用韵比较灵活，最常见的有以下几种：双句用韵，一韵到底；句句用韵，一韵到底；转韵；通韵。作为中国第一部诗歌总集，诗经用韵非常普遍而又灵活、协调，用韵形式大致有以下几种：句未用韵、句中用韵、一章中一韵到底、逐句押韵、隔句押韵。

近体诗体现了我国古典诗歌音韵美的最高成就，其韵律已经模式化了，也比较简明，值得注意的有四点：①偶句句末必须用韵，称为“韵脚”，奇句？穴除首句外？雪不用韵。②首句可入韵，也可不入韵。

③必须一韵到底，不能转韵，不许出韵。④绝大多数都用平声韵 （极少数用仄声韵）。

2.词的押韵。词的用韵比较复杂，不同的词调对韵有不同的规定，有押平韵的，也有押仄韵的，还有平仄互押的；有一韵到底的，也有中间换韵的。

总之，词是依照词谱来填，哪里需要押韵，哪里不需要，是用仄韵还是用平韵，是一韵到底还是中间换韵，词谱中都有规定，只需依照词谱安排押韵就可以了。词的押韵，从大的方面讲，有“通首一韵”和“一首多韵”两类。

通首一韵，即一首词，整篇只押一个韵部，且一韵到底，或押平声韵，或押仄声韵，中间不换韵，也不平仄通押。“一首多韵”大致又包括了“同韵部平、仄韵互押”、“平仄换韵”和“数部韵交押”等几个情形。

二、声律 即利用不同声调有规律的更相交替，构成语句的抑扬顿挫。在诗词中，不同平仄声调？穴有些词还要区分四声？雪的文字交错配置，就能使句子的声调丰富起来和多样化，不至显得单调，构成一种错落的节奏与平仄谐和，形成一种音乐般的美感。

声调是汉语语音的要素之一，有区别词义的作用；汉语有了声调，使汉语具备了抑扬顿挫音乐之美。每个声调具有自身的特点，前人曾说：“平声哀而安，上声厉而举，去声清而远，入声直而促。”

〔2〕其实，方言不同，声调的调值也有差异，但总的看来，平声是长的，不大波动；上去入三声较短，或升或降或曲折。江永说：“平声长空，如击钟鼓；上去入短实，如击土木石。”

〔3〕这比较形象地描绘了不同声调的特点。古人从长期的文学创作实践中，总结出了“平平仄仄平平仄”、“仄仄平平仄仄平”一类的声律模式，具有一定的普遍性，诗词均可用之。

王骥德说：“句子长短平仄，须调停得好，令情义婉转，声调铿锵，虽不是曲，却要美听。”〔4〕各种文体，对声律也有不同要求。

1.诗的声律。近体诗除每句尾字之外，都是两字为一音步？穴顿？雪，这两字中后面的字通常称为“节奏点”，因此，五言诗句有三个节拍，第二四字和末一字是其节奏点；七言诗句有四个节拍，第二四六字和末一字是其节奏点。

近体诗声律的总原则，就是平声和仄声交替使用。所谓平仄交替就是相邻的节奏点上的字必须平仄相反。

为了使诗句有音乐美感，就要求诗句中节拍上的用字，平声字和仄声字交替使用。这样，平声字和仄声字在诗句中从对立到统一，读起来声调高低间隔，悦耳动听。

另外，还要求平仄对立、平仄相粘。“平仄对立”是指近体诗中的第一句和第二句，第三句和第四句中节拍上？穴不包括句末的一字？雪的平仄用字，要做到相互对立。

以七言绝句来说，第一句中的第二、第四、第六字如果是平仄平，那么第二句相同增位的字就用仄平仄；相反，如上句的这三字是仄平仄，下句就用平仄平。第三、第四句也是一样。

“平仄相粘”是指近体诗中的第二句和第三句之间，节拍上的平仄用字？穴不包括末一字？雪，两句要求相粘。所谓粘，就是粘连在一起，平粘平，仄粘仄。

以七言绝句为例，如果第二句的二、四、六字用的是平仄平，那么第三句中相同地位的字也用平仄平；相反，第二句节拍上的字用的是仄平仄，第三句相同地位的字也用仄平仄。这种规则，在格律中叫“粘”，违反这种规则叫“失粘”。

2.词的声律。词在四声、平仄方面主要有以下特点：第一，词的平仄相对来说要比诗严格，不仅规定必平或必仄，而且有时要区分仄声中的上、去、入三声，甚至有时还要区分阴阳？穴入声也有阴阳？雪。

第二，词的平仄是根据曲调的高低升降确定的，平仄不可变更，也没有“拗救”。第三，词也大量采用律句，但词的体式中还相当多的采用叠平叠仄的拗句？穴相对于二四六节奏点而言？雪，如“平仄平仄”“仄平平仄”等。

此外，词中还有大量如“仄仄仄”。

7.古诗的词,曲是怎样发展的

我以前是学习文科的，对语文和历史比较喜欢，关于曲的发展，我有一些自己的想法，不一定和网上的答案一样。

我个人认为，1、曲的发展完全是为了方便表达作者的感情而出现的，因为曲的字数比较多，方便感情的发展。从唐诗到宋词到元曲，再到明清小说的演变就可以看出。

2、这也与当时的社会环境有关，元代出现曲，具体的说是元散曲。宋朝时候，市民文化渐渐兴起，并得到迅速发展，所以，出现了像柳永之类的出没于烟花柳巷的市井词作家。

元代虽然是蒙古人做主，但是用的是中原礼仪，依靠儒家思想进行统治，必然免不了对宋朝的继承与发展。3、与社会主流风气有关，在某一个时代里，如果你做出了普通人认为出格的事情，别人是难以理解的，就如在唐朝写小说似的。

唐朝的小说，始终无法与诗抗衡一二。唐代盛行诗歌，宋代是词藻，元代是散曲和杂剧，明清是小说，这都是一点点发展的结果。

4、和南宋的灭亡应该有一定联系，南宋灭亡后，蒙古人建立元朝，统治者将国人分为很多等级，汉人地位低下，自然是被欺凌压迫最多，为了表达不满和愤恨，肯定要通过一种委婉的方式，进行合理的表达。曲作家多为北方人，而北方又是被元朝最先吞并的地方，曲的发展，在元朝灭南宋之前就已经萌芽了，这正说明了这点。

这是我的个人想法，仅供参考啊。

8.中国古典诗词的发展

在中国文学史上，我们能看到的最早的诗是距今三千年左右的诗经，这是我国最早的一部诗歌总集，一共三百零五篇，古称诗或诗三百篇。

其内容有“风，雅，颂”三个部分，这是从音乐角度上分的。在表现手法上有“赋，比，兴”三种。

因此前人把“风，雅，颂”和“赋，比，兴”称作诗的六义。在语言的句法上，基本上是四个字一句。

继诗经之后，公元前四世纪，在楚国出现了一种新的诗体，叫“楚辞”，它的创始人是屈原。后来，汉朝人把屈原，宋玉等人写的作品编成一书，叫楚辞。

楚辞突破了诗经的四字句，发展为五言句，七言句，即把偶字句（四个字一句）变为奇字句（五个字以及七个字一句），不但能更好地表达思想感情，而且韵律和节奏也更富于音乐性。 到了汉代，出现了为配合音乐而歌唱的诗即“乐府诗”。

在语言上有四言，五言，杂言，但多数是五言的。这以后曹操父子以及陶渊明为首的文人们发展了五言诗。

同时，七言诗也有了很大的发展。 在魏晋南北朝以前，诗的格律和声韵还没有形成大家共同遵守的规律，只是由作者按照个人的内容需要和声韵感觉来进行写作。

到了魏晋，由于受到了印度（古称天竺）的梵音学的影响，我国的声韵学得到了发展。齐梁的周喁和沈约总结了汉字的发音规律，提出了“四声”“八病”之说，使诗歌创作由自然的声律发展到讲究追求声律，出现了作诗要注意平仄和韵律的性质，形成了格律诗的主要内容。

唐代，是我国诗歌发展的全盛时期，是古典诗歌的黄金时代。在继承前代诗歌的基础上，唐代的诗歌有了进一步的发展，并且形成了固定的分类。

其分类有两种，一是古体诗，也叫古风；所谓古体诗，是指模仿唐代以前的传统诗体，没有一定格律，篇幅可长可短，用韵平仄都比较自由，句子的字数有整齐的，也有不整齐的；其中主要分五言古体和七言古体两种。二是近体诗，也叫今体诗（这个“今”指的是唐朝），就是我们所说的格律诗；近体诗不象古体诗那样自由，在篇幅，用韵，平仄，对仗等方面都有严格的要求。

它基本上可分为两种：律诗和绝句。律诗和绝句都分五言和七言，超过八句的律诗称作排律。

在唐代中期，由诗派生出新的体裁，这种体裁到了宋代最为发达，这就是词。由于词是由诗派生出来的，所以词又被称为“诗余”；另外，由于词的句子字数长短不一，古人也称为“长短句”。

到了元明两代，又出现了一种新的体裁，叫曲，也称散曲。曲可以说是词的另一体。

那么它跟词有什么不同呢？除了咏唱时的伴奏乐器不同以外，在语言上更加接近口语。最突出的特点是可以加衬字。

如张养浩的闲居三首之一“昨朝杨柳依依，今朝雨雪霏霏，社燕秋鸿（忒）疾苦。（不是）浊醪有味，（怎）消磨（这）日月东西。”

其中括号内的字就叫衬字。